Quinta semana (04/03/2019 - 07/03/2019)

Esta semana fue bastante activa, continuamos con el ritmo normal de las clases pero realizamos varios exámenes o pruebas evaluativas a los alumnos. El examen fue a alumnos de dibujo técnico de 1º de bachiller que habían cambiado de asignatura. No teníamos notas de ellos de la primera evaluación para poder hacer la media del curso al finalizar el mismo. Por mi parte preparé una prueba evaluativa para los alumnos de 4º de ESO y de 1º de Bachiller para comprobar si los temas que les estaba impartiendo estaban siendo asimilados correctamente. No les hizo mucha gracia tener que hacer un examen en Plástica, pero al saber que mi tutora emplearía la nota para mejorarles la media a algunos de ellos, tomaron otra actitud.

 

Mi tutora junto con otra profesora del Modulo de Imagen y sonido me pidieron que preparara un taller para los alumnos de 1º de Iluminación. El taller fue el jueves día 7 de marzo. Fueron cuatro horas muy intensas donde trate de transmitirles los conocimientos básicos para realizar un cartel. De hecho realizamos un cartel muy básico para el Mercadillo Solidario de la semana siguiente.

El viernes no hubo clase porque en San Juan era día festivo, pero de igual forma no hubiéramos dado clase para unirnos de forma reivindicativa a la huelga feminista.

Cuarta semana (25/02/2019 - 01/03/2019)

Ya en mi cuarta semana en el centro me siento casi como uno más. El personal del centro se esfuerza en hacernos sentir como parte del equipo. Las clases avanzan con normalidad y el proyecto de sostenibilidad empieza a tomar forma, aunque más lentamente de lo que me gustaría. Algunos de los letterings hechos por los alumnos son bastante interesantes. Les explique teoría de la psicología del color aplicada a la publicidad, para que pudieran empezar a pensar que colores quieren utilizar para su proyecto. Por otro lado, el miércoles llevamos a los alumnos de 3 ESO al MACA (Museo de arte Contemporáneo de Alicante). Allí pudimos ver obras de arte cinético en la exposición Llum i moviment.

Además de las explicaciones por parte de la guía se invitó a los alumnos a realizar una serie de actividades que les ayudasen a entender mejor las obras que estábamos viendo. Hubo algún malentendido inicial al no comprender bien que se esperaba que hicieran 😏, pero con unas breves aclaraciones todo salió rodado.

Uno de los momentos más gratificante para mi fue cuando una alumna relacionó de forma espontánea una de las obras expuestas con uno de los trabajos que habíamos estado realizando en clase con antelación.

Esta semana también pude asistir al claustro de profesores donde se hablo entre otras cosas de las actividades culturales del día 14 de Marzo y de como estaba funcionando la iniciativa de Mantén limpia el aula. Y en la sesión teórica del máster se nos habló sobre convivencia, mediación e igualdad a cargo de María Sola.

Tercera semana (18/02/2019 - 22/02/2019)

Lo más destacado de esta semana es el hecho de que comencé a impartir clase de forma autónoma (con la presencia y apoyo de mi tutora y compañeras de prácticum). Es interesante ver como dos clases con un año de diferencia entre ellos, 4 ESO y 1 Bachillerato, tienen una actitud tan distinta ante un mismo planteamiento. Con estos dos grupos es con quien he comenzado a desarrollar un proyecto de sostenibilidad planteado por el centro. El proyecto consiste en la elaboración de un lema (lo he derivado un poco hacia el lettering) y unos iconos que irán en los futuros contenedores de reciclaje. Los alumnos de Bachiller no parecen nada interesados en el tema (en realidad no les interesa la materia en si misma 😂 ).

El grupo de 4 ESO por otro lado parece más comprometido a pesar de algunos elementos disrruptivos (¿en que clase no hay alguno? 😓). Han comenzado a trabajar en el lema que les dimos: Do! Learn! Be sustainable. Para que no se les haga tan pesada la teoría trato de dosificarla al principio de las clases y luego dejarles trabajar.

Otro momento interesante fue el Taller de Mascaras para Carnaval que realizamos con alumnos de 1 ESO. Algún momento de agobio con los alumnos que no se pusieron suficiente crema en la cara  y se les pego un poco la mascara...😱😱😱, pero al final todo fue genial.

La charla obligatoria del miércoles fue sobre la Formación Profesional, más en concreto sobre las especialidades de imagen y sonido que se imparten en el centro, como realizan las practicas laborales y demás. Recibimos una efusiva invitación a convertirnos en profesores de FP (al parecer tienen cierta demanda). El resto de la semana fue normal, realizando mis sesiones de clase y observando a mi tutora y compañeras dar las suyas, ayudándolas cuando era necesario.

PD: Aquí dejo las imágenes que me pasó Susana de las máscaras ya pintadas por los chicos.

Segunda semana (11/02/2019 - 15/02/2019)

En esta segunda semana cabe destacar el debut de mi compañera de prácticum Ruth en sus sesiones explicativas con la Teoría del Color, concretamente los colores luz. Realizamos con ellos una experiencia practica que Ruth ideo con unas linternas y celofán de colores para demostrarles la teoría de forma practica y que así comprendieran y asimilarán mejor los conceptos. También pudimos asistir a la Reunión de Departamento donde se hablaron de temas diverso como la dotación material necesaria para el nuevo centro que les van a construir.

El miércoles asistí a la charla obligatoria sobre dirección y secretaria. En esta sesión pudimos comprender mejor la filosofía del centro en materia educativa y conocer los planes de desarrollo para el futuro del centro. También quedo claro la importancia real que tienen los registros que deben llevarse a cabo por parte de los profesores del centro.

En el resto de clases continuó la observación por mi parte del trabajo de mi tutora así como el ayudarla en momentos puntuales cuando ha sido necesario.

Imagen procedente de british-so-english-ple.blogspot.com

Jornada de Bienvenida y Primera semana (01/02/2019 - 08/02/2019)

Primera semana de mis prácticas docentes de Educación Plástica Visual y Audiovisual (EPVA), a través de las asignaturas de Educación Plástica de 2º, 3º y 4º de ESO y Dibujo Artístico y Técnico de 1º de Bachillerato en el IES Luís García Berlanga, San Juan (Alicante). El centro cuenta con los siguientes niveles de enseñanzas: Educación Secundaria Obligatoria, Bachilleratos de Ciencias y Tecnología, de Humanidades y Ciencias Sociales. También cuenta con Formación Profesional y Ciclos Formativos de Grado Medio y Superior de la Familia de Imagen y Sonido.

Durante la Jornada de Bienvenida se nos dio una charla informativa sobre el funcionamiento básico del centro y a continuación se nos enseño el mismo. Ese mismo día se nos presentó a nuestros tutores y compañeros del prácticum de nuestra especialidad. Se nos explico nuestro horario y la forma básica de trabajo con nuestra tutora, Isabel Domenech.

Durante esta primera semana nuestra principal actividad a sido conocer a los diferentes grupos a los que les imparte clase nuestra tutora, presentarnos a los alumnos y observar su forma de impartir clase y de tratar con ellos. Después de la sesión obligatoria del miércoles a cargo de María Viciana y Juan Valdivia tuve la oportunidad de asistir a una reunión de tutores de 1º y 2º de ESO y ver como gestionan la marcha de los grupos y de los alumnos así como la búsqueda de soluciones para los alumnos con una problemática ya más concreta como puede ser la falta reiterada al centro o a algunas clases en concreto.

Diseñadores III: Saul Bass

Saul Bass by Anton Warkentin

Saul Bass nació en el Bronx, en 1920. Estudió en el "Artes League" en Nueva York, y después en el Colegio de Brooklyn con György Kepes, un diseñador gráfico húngaro que había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes de emigrar a los Estados Unidos. Kepes fue el que introdujo a Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al constructivismo ruso.

Después de trabajar en varias agencias de diseño de Nueva York, Bass trabajó de forma independiente como diseñador gráfico (“artista comercial”). Se mudó a Los Ángeles en 1946, donde abrió su propio estudio en 1950, dedicado inicialmente a la publicidad, hasta que Otto Preminger lo invitó a diseñar el póster para su película Carmen Jones (1954). A éste le impresionó tanto el trabajo de Bass, que le pidió que diseñara también la secuencia de los títulos de la película.

Pronto se especializó en el diseño de títulos de películas, como The Big Knife de Robert Aldrich y The Seven Year Itch (La tentación vive arriba) de Billy Wilder. Pero fue en el siguiente proyecto de Preminger, The Man with the Golden Arm (El hombre del brazo de oro), en donde Bass se reveló como un maestro del diseño de títulos de crédito de películas.

Colaboró con Alfred Hitchcock en Psicosis haciéndosele responsable del story board de la escena de la ducha, aunque Hitchcock nunca lo reconoció. Para Hitchcock también realizaría los títulos de crédito en Con la muerte en los talones y cartel y títulos de Vértigo.

Imagen obtenida de culturavia.com

Junto con su segunda esposa, Elaine (1961–1996), diseñó títulos para otros directores. Pero además, tuvo tiempo y talento para dejarnos un regalo ilustrado, el álbum Henri's walk to Paris, publicado en 1962 por young Scott Books en Nueva York. Ahí van algunas de sus ilustraciones.

Imagen procedente de La pequeña ciudad de P.

Imagen procedente de La pequeña ciudad de P.

Luego dirigió varios cortometrajes, como The Searching Eye (1964), From Here to There (1964) y Why Man Creates (1968) con la que ganó un Óscar. Finalmente realizó una película como director en 1974, llamada Phase IV. 

Regresó al diseño gráfico comercial, creando los logotipos para AT&T, United Airlines, Minolta, Bell, y Warner Communications. Diseñó también el póster para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984.

A lo largo de su vida colaboró con Martin Scorsese en Goodfellas, Cape Fear (El cabo del miedo), The Age of Innocence (La edad de la inocencia) y Casino en los años 90. Saul Bass falleció en 1996.

Diseñadores II: Alex Trochut

Photo by Isabelita Virtual de alextrochut.com

Alex Trochut nacio en 1981, se graduó en Diseño Gráfico en la escuela ELISAVA de Barcelona, comenzando su actividad profesional en Berlín, trabajando en los estudios Moniteurs y Xplicit, para posteriormente regresar a Barcelona y trabajar en el estudio de diseño Toormix a su llegada, y más tarde en el de Vasava, estableciéndose por su propia cuenta en 2007. Finalmente se trasladó a la ciudad de Nueva York, Brooklyn, donde en la actualidad trabaja y vive.

Su obra se caracteriza por la importancia que otorga a la tipografía, anteponiendo su forma a su función, convirtiéndola en un elemento de expresión gráfica. Se centra en el potencial del lenguaje como un medio visual, llevándolo hasta sus límites, de tal forma que el ver y leer las palabras se convierten en un único hecho, la imagen y el texto se unifican en una única expresión. Otra de sus características es la variedad y cambios de técnica en cada proyecto, desde la cultura pop al arte callejero, sin olvidad la música o el diseño de moda, manteniendo en todos ellos como rasgos comunes la fusión entre geometría y formas fluidas. Su obra se ve influida por artistas mediterráneos como Pablo Picasso, Salvador Dalí o Joan Miró, así como por el arte geométrico del húngaro Victor Vasarely.

Ha realizado proyectos para Apple, Arctic Monkeys, Nike, The Rolling Stones, Adidas, Coca-Cola, British Airways, Pepsi, Starbucks o The Guardian.

En 2011 publicó el libro titulado More is More en el que se recogen todos los proyectos que había realizado desde 2006.

En 2012 desarrolló el proyecto artístico conocido como Binary Prints, resultado de las investigaciones llevadas a cabo en el campo de la dualidad, para el que patentó una técnica que recibe el mismo nombre, mediante la que dos imágenes diferentes podían ser mostradas en una misma superficie, una con luz y otra con oscuridad. A través de dicha técnica, y en colaboración con artistas de música electrónica como James Murphy, John Talabot, Carbou, Damian Lazarus o Acid Pauli, entre otros, ilustró los carteles del festival Sónar en 2013.

Teoría de la percepción: Teoría Gestalt

La percepción: Es la manera en la que nuestro cerebro interpreta los estímulos que le llegan a través de los sentidos creando así la realidad física que nos rodea. Tiene una serie de características:

• Es un proceso largo y dinámico formado por diferentes partes y que necesita un flujo continuo de información.
• La percepción necesariamente requiere estímulos, sin ellos no existe.
• Una alucinación no es una percepción, no existe un estímulo previo, se considera una alteración de la percepción.
• La percepción es relativa, depende de cada individuo y de su contexto.
• Una percepción depende del grado de adaptación del receptor que capta el estímulo a nivel fisiológico.
• El objetivo de la percepción es conseguir una interpretación del estímulo que sea significativo para nosotros.

La Gestalt: Se trata de una teoría descriptiva del comportamiento y percepción humana. Según esta, no percibimos lo que está ahí, sino lo que estamos programados para percibir. El cerebro configura la percepción a través de nuestra memoria. se trata de una experiencia perceptiva estructurada y tendente a unir y relacionar en grupo los estímulos percibidos. Sun principios son los siguiente:

• Principio de la pregnancia o de la buena forma: La percepción adopta las formas más simples posibles. Nuestro cerebro intenta organizar los elementos que percibe de la mejor forma posible, incluyendo la perspectiva, el volumen, la profundidad, etc. Prefiere aquellas formas integradas, completas y estables. Las partes que tienen una misma dirección o destino, tendemos a percibirlas como parte de una misma unidad dentro de la figura, esto ayuda a evitar la confusión cuando dos figuras se interfieren.

Modesto Valero,  licencia CC: BY NC SA

• Principio de cerramiento: Reconoceremos los elementos de una misma forma por la proximidad existente entre ellos. Las líneas que circundan una superficie son captadas más fácilmente como unidad o figura, que aquellas otras que se unen entre sí. Las circunferencias, cuadriláteros o triángulos producen el efecto de cerramiento.

Modesto Valero,  licencia CC: BY NC SA

• Principio de semejanza: Nuestra mente tiende a agrupa los elementos que entiende como similares en una unidad. Puede deberse a su forma, tamaño, color u otra característica, o la combinación de más de una de ellas. Estas agrupaciones las realiza nuestra mente a través de las experiencias vividas anteriormente almacenadas en nuestra memoria.

Modesto Valero,  licencia CC: BY NC SA

• Principio de proximidad: La mente tiende a agrupar los elementos de cualquier tipo que percibe como próximos entre ellos como una única unidad.

Modesto Valero,  licencia CC: BY NC SA

• Principio de simetría: Las imágenes simétricas son percibidas como iguales, como un solo elemento, a pesar de la distancia. Este principio tiene tal trascendencia que va más allá del campo de la percepción de las formas y constituye uno de los principios o fenómenos fundamentales de la naturaleza. La biología, la matemática, la química y la física, incluso la misma estética, se organizan siguiendo las leyes especulares, simples o múltiples, de la simetría.

Modesto Valero,  licencia CC: BY NC SA

• Principio de continuidad: Se basa en otros principios como el de cierre, el de la experiencia y el de la buena forma. Los elementos que mantienen un patrón o dirección tendemos a agruparlos juntos, como parte de una unidad. Es decir, tendemos a percibirlos como completos aunque se interrumpan entre sí.

Modesto Valero,  licencia CC: BY NC SA

• Principio de relación figura y fondo: Nuestro cerebro no puede interpretar un objeto como figura y fondo a la vez, de tal forma que, según nuestra experiencia previa y los intereses que tengamos como observadores, el elemento aparecerá en nuestra mente como figura o como fondo.

Modesto Valero,  licencia CC: BY NC SA

En este enlace encontrareis un vídeo muy corto pero interesante que deja claro como la percepción depende de la experiencia: YouTube.

Diseñadores I: Margaret Vivienne Calvert

Margaret V. Calvert, imagen procedente de www.dezeen.com.

Calvert es una diseñadora y tipógrafa británica. Junto con Jock Kinneir fueron los creadores de muchas de las señales de tráfico del Reino Unido. También diseñaron la tipografía para el sistema ferroviario y una primeriza señalética de los aeropuertos.

Nacida en Sudáfrica, se traslado al Reino Unido en 1950 donde estudio en St. Paul's Girls' School y en el Chelsea College of Art. En esta escuela conoció a Kinneir que era su tutor. Este le pidió su colaboración para el diseño de la señalética para el aeropuerto de Gatwick. En ella utilizaron la combinación de los colores amarillo y negro al considerarlos la combinación más efectiva. En 1957, Kinneir le encargó a Calvert el rediseño del sistema de señalética vial y ella ideó una serie de pictogramas muy fáciles de entender, entre ellos la señal de "hombre trabajando", usando el protocolo europeo de señales triangulares para advertencias, y círculos para restricciones obligatorias. 

Señalética de Calvert, imagen procedente de creativechair.org.

Además de sus señales de tráfico, ha diseñado fuentes comerciales para Monotype, incluida la fuente Calvert, un diseño de slab serif que creó en 1980 para su uso en el sistema Tyne and Wear Metro. Fue galardonada con un título honorífico por la Universidad de las Artes de Londres en 2004. En 2015 recibió el Premio Presidencial D&AD. Fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE) en 2016 por sus servicios de tipografía y seguridad vial. En junio de 2018, Calvert fue galardonado con una beca honorífica de la Arts University Bournemouth junto al bailarín Darcey Bussell, la diseñadora de vestuario Jenny Beavan y el director y guionista Edgar Wright.

En este enlace podéis escucharla hablando de su trabajo: YouTube.

Diseño, arte y programación: Processing

Vídeo de Modesto Valero, licencia CC0.

Mucha gente cree que el Diseño o el Arte nada o poco tienen que ver con la programación, pero esta afirmación cada día esta más lejos de la realidad. Processing es un lenguaje y entorno de programación creado  por Ben Fry y Casey Reas, ambos miembros de Aesthetics and Computation Group del MIT Media Lab dirigido por John Maeda, pensando en los creadores, ya se trate de diseñadores o artistas plásticos. Les ofrece un universo de posibilidades sin fin, donde el Arte y el Diseño se fusionan a través de la programación.

Si hablamos desde el punto de vista educativo, Processing también es uno de los entornos más adecuados para introducir a una persona en el aprendizaje de la programación. La alfabetización de toda la población dentro de este campo será una de las prioridades en la sociedad actual dentro de muy poco tiempo, si es que no lo es ya.

Los vídeos que se muestran en esta entrada son dos ejemplos muy básicos y sencillos, pero que ya nos dan una clara idea de todo el potencial de esta herramienta puede aportar a nuestros proyectos.

Vídeo de Modesto Valero, licencia CC0.

Enlace a la página oficial donde podrás descargar el entorno y aprender más sobre Processing.

Diseño: forma y función

“No puede haber contradicción entre lo bello y lo útil. El objeto posee belleza desde el momento en que su forma es expresión manifiesta de su función". (P. Soriau)

Imagen procedente de Pixabay, licencia CC0

Si hablamos de diseño, la forma y la función van íntimamente ligadas. Aunque es cierto que la segunda siempre tendrá prioridad sobre la primera. El propósito siempre es anterior a la existencia. Pero esto no le quita importancia al componente estético que dota de un valor añadido a nuestros proyectos.

Forma

Sabemos que la forma es la apariencia externa y visible de las cosas, aquello que nos permite diferenciar un objeto de otro. La forma se puede clasificar de muchas maneras. Existen formas naturales, aquellas originadas por la naturaleza, y formas artificiales, aquellas producidas por el hombre.

Función

Es el uso que tiene el objeto. La razón por la que ha sido creado, su utilidad. Si nuestro diseño cumple su función, nuestro proyecto habrá sido un éxito y si no lo cumple habrá sido un fracaso.

• Función estética de los objetos: Más allá de la indispensable adecuación entre forma y función, se busca la belleza a través de las formas, colores y texturas. Entre dos productos de iguales prestaciones técnicas y precios, cualquier usuario elegirá seguramente al que encuentre más bello. 
• Función simbólica de los objetos: Cuando la función principal de los objetos es la simbólica, no satisfacen las necesidades básicas de las personas y se convierten en medios para establecer estatus social y relaciones de poder. Los objetos de culto religioso son un claro ejemplo.

Imagen procedente de Pixabay, licencia CC0

Hoy en día sabemos que todos los objetos que forman parte de nuestra cotidianidad no solo tienen un valor de uso para nosotros, sino que tienen también una dimensión emocional. De ahí que cuanto más bella percibamos su forma, más ligados emocionalmente nos sentiremos a ellos. A continuación os dejo el enlace el documental Función y forma. Diseño en España. Medio siglo contigo de rtve.es.

La retícula

La retícula (Grid en inglés), es una herramienta fundamental en el momento de diseñar. Es una estructura en dos dimensiones hecha de líneas verticales y horizontales utilizada para estructurar el contenido, sirve como una armazón para organizar textos, imágenes o cualquier otro elemento que forme parte de nuestro proyecto, de una forma racional y fácil de visualizar.

Imagen procedente de pixabay.com con licencia CC0.

Sus orígenes se remontan a la antigüedad más remota, los griegos, egipcios y mayas se basaban en la proporción áurea o divina la cual utilizaban en sus construcciones y esculturas. Ciertos elementos de la naturaleza como la concha de un caracol, el cuerpo humano, la forma de los panales de abejas, algunas flores y hojas todos cuentan con una armonía en sus formas y proporciones las cuales obedecen a una fórmula matemática. Después de la Segunda Guerra Mundial se empezaron a utilizar retículas, uno de los trabajos más interesantes sobre el tema es el del diseñador suizo Müller-Brockmann con su libro Grid systems in graphic design el cual ayudó a popularizar el uso de la retícula primero en Europa y luego en Norte América. A mediados de los años 70 la enseñanza de las retículas se volvió estándar en Europa, Norte América y Latinoamérica, en los años 80 se creó un movimiento en contra de la retícula porque pensaban que limitaba a los diseñadores y su creatividad, lo veían como una camisa de fuerza de la cual querían liberarse.

Tipos de retícula

• Manuscrito: Es un rectángulo sobre la mayor parte de la pagina y esta indicada para libros con una sola caída de texto. Los margenes de la pagina delimitan el tamaño y la posición de la retícula.

Modesto Valero licencia CC0

• De columnas: Se caracteriza por ser muy flexible. Las columnas pueden ser dependientes o independientes, el ancho puede ser igual o variar. La calle entre columnas tiene que tener una medida x, los margenes dos veces esa medida, de esta forma la atención se dirige hacia el texto creando armonía entre los espacios definidos en la retícula.

Modesto Valero licencia CC0

• Modulada: Es adecuada para proyectos de gran envergadura, con muchos elementos. Se caracteriza por ser una retícula de columnas con elevado numero de lineas de flujo que modulan la propia retícula formando módulos. Estos pueden ser independientes o en zonas espaciales para un determinado uso. El uso practico es la característica principal de esta retícula, también se caracteriza por su orden, claridad y sencillez, aportando a la maquetación un aire cuadriculado pero no por eso limitado.

Modesto Valero licencia CC0

• Jerárquica: Es la que fundamentalmente se adapta a las necesidades de la información que transmite. La disposición es intuitiva vinculada a las proporciones entre los elementos. Sus columnas son variadas.

Modesto Valero licencia CC0

Podemos decir entonces, que la retícula, nos ayuda a mantener decisiones unificadas a lo largo del proyecto, le aporta coherencia. Nos permite establecer relaciones espaciales entre los elementos y no forzar situaciones que no tengan una justificación. Es importante y necesaria para el diseño.

Imagen procedente de pixabay.com con licencia CC0. 

En el siguiente enlace podeis ver ejemplos de cada una de ellas: Scribd.